Morphogenesis_Jaime del Val (Reverso)

Morfogénesis es un proyecto experimental y pionero en la hibridación de arte electrónico, danza interactiva, arquitectura virtual y electrocústica. Se trata de una performance de danza interactiva en la que el sonido y la imagen de vídeo y 3D son producidos y procesados en tiempo real a través del movimiento del cuerpo, capturado por una cámara de vídeo e importado al ordenador para su análisis en tiempo real. Se procesa en tiempo real la voz de la propia bailarina, espacializada en cuatro canales independientes que generan un espacio sonoro en trasformación permanante, en el que los sonidos se desplazan en relación con el movimiento del cuerpo. Se procesa también la imagen de la bailarina, en un discurso de abstracción visual, de cine abstracto; así como imágenes de vídeo pregrabadas, en un contexto de cine interactivo abstracto y de narrativa experimental.

La imagen 3D entra en el mundo de la escultura y la arquitectura virtual interactiva y generativa; primero unos modelos tridimensionales abstractos se trasforman en tiempo real a "duo" con la bailarina, respondiendo a su movimiento, luego estelas y partículas se generan en relación con el movimiento, el espacio se disuelve en materia pictórica.

La pieza tiene una base textual y poética igualmente abstracta, de la que fragmentos aparecen y desaparecen disueltos en el paisaje sonoro, se trata de fragmentos de poemas, los que aparecen al final de este programa, resonancias fragmentadas del cuerpo.

La bailarina-performer aparece tenuemente iluminada a través de una gasa sobre la que se proyectan las imágenes que ella misma genera de forma interactiva, que constituyen el único espacio escenográfico. La forma del cuerpo se diluye en la penumbra, se torna un híbrido abstracto, abre su campo de significantes y significados.


Se trata de una serie de estudios para cuerpo posthumano, o amplificado, de un discurso de frontera de la representación, sobre las hibridaciones del lenguaje y de las disciplinas que se pueden producir en el ámbito de las nuevas tecnologías y del cuerpo amplificado, el cuerpo-hyperinstrumento, allí donde el discurso se abre al afuera, donde el cuerpo, la materia, se plantea como un incierto proceso de representación nunca concluido. En Morfogénesis, la forma nunca se concreta, tanto a nivel gestual y coreográfico, como visual o sonoro, permaneciendo en la inquietante zona fronteriza, allí donde se cuestiona la posibilidad de una percepción objetiva de la realidad, donde la forma se hace y se rehace. Son los paisajes silenciados de cuerpo, paisajes del reverso que "hablan" en la frontera de la inteligibilidad, donde el exceso del lenguaje se torna lenguaje, a riesgo de caer en el reino de lo impronunciable.

Morfogénesis es un término que se utiliza originariamente en biología para definir los procesos de formación de los órganos en los organismos que nacen. En Morfogénesis la forma nunca se concluye, las secuencias no son elemenetos estructurales definidos sino delgadas líneas oscilantes de un proceso de sedimentación, no se trata de órganos sino de anti-órganos de un cuerpo-hiperinstrumeto nunca concluido, un proceso con múltiples dimensiones temporales.

Para Morfogénesis se ha desarrollado una programación específica del software de sonido e imagen. La suma de software, hardware, espacio, luz y cuerpo conforman un complejo instrumento. Morfogénesis es el proceso de construcción, afinación y aprendizaje de dicho instrumento, un trabajo de improvisación cuya sedimentación resulta en la performance. Se trata de un replanteamiento de los procesos de significación, de escritura, de formación del lenguaje en un contexto híbrido y tecnológico, un cuestionamiento de fronteras disciplinares y corporales que resulta no solo en una mutación del lenguaje, sino, sobre todo en una apertura del mismo. Ya no tenemos la relación cerrada significado-significante del lenguaje verbal, sino un horizonte abierto de asociaciones y relaciones entre planos de significación cuyas fronteras se desdibujan, un meta-lenguaje o lenguaje de lenguajes, y el meta-cuerpo que lo constituye.

La performance, que se presentará en el futuro también como conjunto de instalaciones interactivas y on-line, forma parte de un proyecto (reverso - Cuerpos Frontera) en el que se estudian las relaciones entre cuerpo, arte y tecnología.





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microdanzas_ Jaime del Val (Reverso)

Microdanzas es un proyecto de fotografía, vídeo, instalación y performance
que explora dos aspectos relacionados: la transformación del cuerpo (su representación, su anatomía y sus lenguajes) mediante la proximidad de la cámara y el encuadre fragmentado, y la transformación
en la propiocepción que se produce cuando el cuerpo improvisa a través de su imagen fragmentada.

En las fotografías el trabajo se centra en el encuadre, la proximidad, el foco y la luz. Las imágenes en blanco y negro no tienen procesado digital. De nuevo se explora el medio fotográfico cuestionando la categoría de objetividad y materialidad. Los encuadres exploran la frontera de lo abstracto, donde apenas aún reconoces que es un cuerpo, o dejas de reconocerlo por completo. Surgen los interrogantes: ¿es esto un cuerpo?, ¿qué parte de qué cuerpo? Es un elemento extraño y al mismo tiempo tan cercano, su exceso te absorbe, te desborda en todas direcciones, no puede contenerse: es un cuerpo abierto que habla, puro exceso y presencia. Paisajes y formas inciertas que pueden o no sedimentar en el terreno de lo concreto: en su incertidumbre, en su pasaje fronterizo su potencial de significados se abre en todas direcciones.



En las series de vídeo (videodanza y cine abstracto) se exploran encuadres similares pero la dimensión temporal añade un aspecto crucial: la abstracción del movimiento, del gesto, de la temporalidad del cuerpo. Se trata de una exploración de micromovimientos, en evolución minimalista, como fonemas y sílabas de un nuevo lenguaje, que es al mismo tiempo familiar en su extrañeza: cualquier movimiento de los que el cuerpo realiza inconscientemente puede de pronto adquirir un significado ampliado y nuevo, que explora el potencial de ser del cuerpo en una explosión de significantes abiertos.
Pero el aspecto más interesante del proceso no es la edición de la pieza de vídeo, sino la improvisación delante de la cámara: me muevo con la mirada fija en la imagen que captura la cámara, proyectada en una pared o un monitor. Es mi cuerpo pero en un momento dado comienzo a percibirlo como otra cosa, la escala amplificada y la abstracción inducen al descubrimiento de horizontes nuevos del movimiento, la sensación, la consciencia, la propiocepción y el tiempo del cuerpo. De pronto pierdo el contacto con el cuerpo desde dentro para recobrarlo a través de esa imagen amplificada que se ha convertido en otro cuerpo. Me convierto en ese otro cuerpo que es al mismo tiempo mi cuerpo, o que ha dejado de ser el cuerpo de un sujeto y es simplemente, cuerpo, inmanencia. Cuanto más se profundiza en el proceso más se explora el nuevo horizonte de lenguajes, la improvisación sedimenta en una escritura, en una técnica.

Se trata también de una desterritorialización radical del cuerpo. Por ejemplo, puede ser en ocasiones difícil distinguir los órganos, puede confundirse una mano con un órgano sexual que palpita, pero acaso entones la mano es ese órgano sexual, estamos ante un cuerpo intensivo que balbucea en toda su potencia. ¿Erotización total del cuerpo o abstracción total?, o más bien se cuestiona el territorio normativo y discursivo del sexo: no puede ser pornografía pura, ni postpornografía, pues la materialidad del cuerpo, su anatomía y su forma, sus lenguajes y acciones, en el límite de la inteligiblidad, no pueden adscribirse nunca totalmente al territorio dado. No es género ni parodia del género, es otra cosa. No es relevante identificar las partes, sino perderse en el océano del puro exceso de la significación, pero sí intento conscientemente explorar el umbral inquietante en el que no estás seguro de lo que ves: el umbral de la representación y su morfogénesis.

Concepción, fotografía, vídeo y performer: Jaime del Val
Modelos y performers: Jaime del Val, Olinto Rubio y Daniel Serrano.

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Cómo preparar un proyecto para una ayuda de producción

La claridad y la concreción son la base para conseguir lo que deseas.

Recuerda que una ayuda de producción no es una beca de investigación.

Presentarse compulsivamente a concursos y becas te provocará un gasto energético y económico que te podrías ahorrar centrándote en aquellas convocatorias que realmente se ajustan a tus necesidades. Improvisando un proyecto el día anterior a que termine el plazo de solicitudes e inventando el presupuesto no haces más que ponerte en evidencia ante personas PROFESIONALES. No desaproveches la ocasión de que se lleven una buena impresión de tu trabajo.

Ser 'flor de un verano' no debería ser tu objetivo, la carrera artística es una carrera de fondo que pide esfuerzo y preparación. Ser serio y profesional da confianza suficiente para que otras personas crean en tu trabajo.

Aspectos generales bien valorados por el jurado(al margen del interés estético y conceptual de la propuesta):

* Orden y claridad. Un proyecto de producción no es ni un libro de artista ni un dossier ni un catálogo, por lo que se recomienda no excedirse en el diseño. Es preferible una maquetación sencilla, aséptica y clara, ya que un exceso de diseño puede distraer y dificultar la legibilidad, cosa que repercute negativamente en el proyecto.

* Información completa y concreta. Por ejemplo, especificar siempre la medida, tamaño, duración de las obras a producir. Ver más abajo el apartdado Ser concretos.

* Adecuación del proyecto a las bases.

* Adecuación del proyecto al objectivo de la ayuda. El proyecto encaja con la línea conceptual y la especificidad de la beca y la entidad que la convoca. Es recomendable que busquéis un poco de información sobre las últimas convocatorias de la ayuda, esto os ahorrará dinero y disgustos.

* Profesionalidad. A los artistas se nos exige profesionalidad, como en cualquier otro campo.

* Implicación del artista con el proyecto: si hay un interés real del artista por el proyecto, si cree en él, si ha trabajado a fondo, si el proyecto es coherente con trabajos anteriores, etc.


RECOMENDACIONES

* Leer bien las bases y conocer los objetivos de los organizadores al convocar la ayuda. Esta ha de ser adecuada a mi proyecto por lo que respecta a:

proporción: considera si el proyecto o la fase que quieres hacer es proporcional a la oportunidad de financiación que me ofrece la ayuda. Un proyecto que requiera pocos recursos económicos puede ser interesantísimo. Intentar estirar el dinero para hacer una producción demasiado grande coloca al proyecto en una situación de precariedad de la que puede salir muy mal parado. Si la desproporción es grande y evidente, el jurado lo valorará negativamente.

la fase en la que está mi proyecto. Si la ayuda es una beca de producción, generalmente se pide que el proyecto sea muy concreto y esté en una fase avanzada de la investigación, cosa que permite definir qué se producirá y cómo. Es decir, ha habido un trabajo previo importante por vuestra parte ANTES de presentar el proyecto. Existen ayudas para otras fase de la creación, como la investigación, que no están orientadas a la producción de obra acabada. Determinados procesos de trabajo encajan mejor con este tipo de ayudas. Esto no significa, sin embargo, que no hayáis de ser concretos también, explicando cuál es vuestra metodología de trabajo, con qué elementos experimentaréis y cómo...siendo aquí muy importante adjuntar un plan de trabajo.

la visibilidad que me ofrece la ayuda. Imaginemos que necesito hacer unas pruebas, investigación o trabajo de campo que me llevarán a resultados imprevisibles. Como necesito financiar estas pruebas, pido una ayuda, pero veo en las bases que el resultado de la producción tendrá mucha visibilidad...quizás me conviene buscar otro tipo de beca.


- Demostrar la viabilidad del proyecto:

Viabilidad económica. ¿Cómo? haciendo un buen presupuesto= un presupuesto real. Os aconsejamos lo siguiente:

* Si existen, leer con atención las instrucciones específicas de la entidad que convoca la ayuda sobre el presupuesto a presentar.

* Se listarán todas las necesidades del proyecto y no sólo aquelles a cubrir con la ayuda.

* Haremos costar nuestros honorarios. Es un signo de profesionalidad y de compromiso con el proyecto.

* Haremos constar todas las fuentes de financiación que tenemos, también aquellas que sean colaboraciones, patrocinios, etc. El presupuesto ha de hacer visibles los gastos del proyecto y también los ingresos.

* El presupuesto será lo más detallado posible: es necesario cuantificarlo todo, especificando los proveidores reales. Esto requiere una dedicación considerable, y se hace muy evidente cuando el jurado estudia un presupuesto qué proyecto hizo este trabajo y qué proyecto no.

* El presupuesto ha de coincidir con el plan de trabajo en días, fases, cantidades...

* Nunca inventarse el presupuesto en 5 minutos, por ejemplo dividiendo en conceptos aproximados la cantidad total que ofrece la ayuda. Esta operación se hace muy evidente al jurado y nos perjudica. Si finalmente nos dan el dinero, podemos tener un grave problema para producir la obra con este dinero.

* Algunos proyectos requieren ser divididos en diferentes fases y afrontar su financiación por partes. En ocasiones se hace imposible presupuestar todo el proyecto sin antes elaborar prototipos o hacer pruebas.

* Leer bien las bases para ver si está permitido presupuestar a cargo de la beca o ayuda bienes inventariables. ¿Qué son? La compra de equipos que os quedaréis y podréis utilizar en otros proyectos, ya que no se agotan en el proyecto actual: ej. la compra de una cámara, de un ordenador... Algunas subvenciones permiten el alquiler de este tipo de equipos pero no su compra. En algunos casos, encontraréis problemas para justificar que un ordenador que tenéis que comprar puede no ser un bien inventariable, por ejemplo, si es inseparable de la pieza producida. Os recomendamos que os pongáis en contacto con los organizadores para explicarlo y evitar que os descarten este elemento del presupuesto.

* Os recordamos que la Central de Producción de Hangar es un servicio gratuito donde os podemos ayudar a elaborar vuestros presupuestos. Tan sólo es necesario que pidáis una cita con el tiempo suficiente (produccio@hangar.org).

Viabilidad técnica. Cuando el proyecto tiene una cierta complejidad técnica nos ayudará el demostrar que es viable. Algunos consejos:

* El proyecto no es una estimación genérica sinó una concreción de las necesidades reales de la producción, especificando los proveedores reales. La concreción es una virtud. Una digresión teórica abstracta puede ser muy interesante pero no suple la concreción y los datos técnicos necesarios, de manera que es mejor ser breve en la teoría, reservándole más espacio en el statement o el dossier, y ser muy conciso y técnico en la descripción del proyecto.

* Previamente a la redacción del proyecto os podéis asesorar por técnicos especializados. Os recordamos que en Hangar disponemos de un equipo de personas muy completo que os aconsejan gratuitamente y os pueden ayudar a tomar decisiones y a plantear el desarrollo técnico. Si pedís este servicio con el tiempo suficiente (produccio@hangar.org), podréis planificar bien el proyecto con nuestra ayuda y recibir un seguimiento y apoyo continuado en función de vuestras necesidades o preferencias.

* Siempre que sea posible, acompañar el proyecto de esquemas, dibujos, simulaciones, que ayuden a entender bien cómo es el proyecto y cómo funciona.

* Detallar el equipo de trabajo que participará en el proyecto, la distribución de tareas y los curricula de las personas.

* Listar todas las necesides del proyecto, no sólo aquellas que cubrirá la beca, ya que el jurado puede preguntarse cómo se solucionarán aspectos básicos de la creación si éstos no figuran en el plan de trabajo ni en el presupuesto.

Viabilidad en la gestión del proyecto.

* Adjuntad un plan de trabajo detallado.

* Si tenéis experiencia en el mismo tipo de producciones, ésto os avala: hacedla constar en el proyecto.

* Podéis explicar en qué punto está el proyecto, cuál es el trabajo hecho hasta ahora y cómo la beca encaja en la producción.


-Ser concretos

Cuando concursamos para obtener una ayuda de producción no es suficiente con presentar al jurado una especie de resumen, como un apunte de una idea que esperamos les atraiga. Hay que desarrollar la idea: de esta manera dejamos claro al jurado que nos interesa el proyecto, que estamos trabajando en él, que no cambiaremos de idea cuando empecemos a trabajar más a fondo y que no hemos tardado 5 minutos en redactar el proyecto (justo los 5 minutos que faltaban para que terminara el plazo de aceptación de solicitudes...).


Recomendaciones especificas según el medio del proyecto:

* Si la obra es una instalación, se hace dificil entender que no se adjunte al menos un esquema o dibujo donde visualizar la relación de la pieza con el espacio. Lo idóneo: planos y vistas en perspectiva de la ubicación en el espacio real. Adjuntad siempre las medidas. Si tenéis la posibilidad, colaborad con un arquitecto. Os recomendamos Blender como suite 3D que os permite hacer rápidamente maquetas de los proyectos, en medidas proporcionales y con calidad muy profesional. Es un programa libre y gratuito.

* Si la obra es una publicació o edición múltiple, ayuda mucho presentar una maqueta sencilla. También se pueden adjuntar esquemas o dibujos previsualizando el resultado final además de detallar cuál será el contenido.

* Si la obra es un audiovisual, presentar un guión técnico o un story board. Si el proyecto no está en esta fase de concreción, no es posible presupuestarlo, por lo que vuestro presupuesto no será creible.

* Si la obra es una performance: hay que ofrecer información completa de en qué consiste, algún tipo de guón o pauta. Si interviene la improvisación, explicar cuál es la metodología y con qué elementos se trabaja.

* Si la obra es un interactivo: guión completo, mapa de flujos de la interacción, esquemas... también hay que demostrar la viabilidad técnica: adjuntad prototipos, demos y/o pruebas preparatorias.

gracias a HANGAR

Pablo Iglesias Simón : artículos y escritos sobre teatro y otras disciplinas

Pablo Iglesias Simón (Madrid, 1977) es titulado superior en Dirección Escénica por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Obtuvo el Premio Extraordinario al doctorarse en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid con la tesis Trasvases discursivos del teatro de finales del siglo XIX y principios del XX al Cine Primitivo y al Cine Clásico de Hollywood.

Tras desarrollar una labor docente en cursos de postgrado en materias teatrales heterogéneas y en la facultad de Ciencias de la Información en el ámbito de la Realización Cinematográfica, en la actualidad es profesor titular funcionario de Dirección de Escena en la RESAD, habiendo impartido las asignaturas de Historia de la Puesta en Escena, Espacio Sonoro, Teoría y Práctica del Diseño de Espacios Sonoros, Taller Fin de Carrera y Prácticas de Dirección Escénica II. Asimismo ostenta el cargo de Jefe del Departamento de Dirección Escénica del citado centro superior artístico.

Compatibiliza las tareas docentes con el desarrollo de una labor investigadora en los campos teatral y cinematográfico, que se ha traducido en la presentación de ponencias en congresos y seminarios y en la publicación de más de una veintena de artículos en distintas revistas especializadas de España y Brasil. Ha escrito dos libros, Postproducción digital de sonido por ordenador, reeditado en Méjico para su difusión en el ámbito hispanoamericano con el título Postproducción digital de sonido por computadora, y De las tablas al celuloide, ganador del Premio "Leandro Fernández de Moratín" para estudios teatrales 2008. Además ha colaborado en los libros colectivos Análisis de la dramaturgia y Cinema i teatre: influències i contagis.

En el campo teatral ha trabajado como director de escena, diseñador de espacios sonoros y dramaturgo. Empezó dirigiendo textos de autores contemporáneos tales como Heiner Müller o Sarah Kane y, a partir de 2002, decidió ocuparse de sus propios textos presentando en el Festival Escena Contemporánea su montaje 11-N_11-E. Ha realizado los espacios sonoros de El séptimo cielo, Las memorias de Sarah Bernhardt, Almacenados, Don Quijote en la niebla, La extraña pareja, El cartero de Neruda, El gran regreso, Cruel y tierno y El león en invierno, trabajando para compañías privadas y para el Centro Dramático Nacional. Asimismo ha publicado los textos dramáticos 11-N, Sin móvil aparente, finalista del III Premio de Teatro Exprés 2002, Alicia frente al espejo, Tu imagen sola, coescrito con Borja Ortiz de Gondra y ganador el XIX Premio de Teatro Carlos Arniches-Ciudad de Alicante 2003, y El lado oeste del Golden Gate, finalista del XXXIII Premi Born de Teatre 2008.


Tentativas para una sistematización del uso de las audiovisuales en la puesta en escena
Tecnofilias y Tecnofobias
TIENES DE TODO AQUÍ

Plaza de la Amistat en Sant Cosme / Baena Casamor Arquitectes

El proyecto tiene su origen en un proceso de participación ciudadana en el que los vecinos manifestaron, de forma oral, escrita o con dibujos, la imagen que tenían de la futura plaza junto al edificio de los Juzgados.

Por ello, la plaza se plantea con dos zonas diferenciadas, una más representativa, alrededor del edificio, y la otra, de carácter doméstico, estrechamente relacionada con los edificios de viviendas y con la actividad cívica de los vecinos. Entre ambas, un “foso” o espacio rehundido que las separa y un puente que las vuelve a conectar.

Esto explica el espacio, necesariamente fragmentado y doméstico de la plaza, en contraposición a la zona alrededor del edificio entendida como una peana que aísla, en cierto modo, los juzgados de su entorno doméstico.

La plaza se entiende como una suma de mosaicos, casi como una plaza con paisajes tatuados para dar cabida a las ideas de todos los vecinos, a través de la profusión de pequeños lugares (el puente, el río seco, el prado, la plaza peinada, las zonas infantiles, el jardín para enamorados…) que se juntan en ella.

La zona central de la plaza se presenta en una suave graduación cromática que pretende establecer una evolución gradual entre el entorno urbano y el edificio judicial. Sobre este espacio neutro se destacan cuatro lugares especiales: una plataforma elevada de césped, dos conjuntos de juegos infantiles y el puente, que une la plaza con el entorno del edificio de juzgados. Cada uno de ellos se distingue con un color básico: verde, azul, rojo y amarillo, y se ilumina, por la noche, con farolas de LEDs. Imaginamos estos cuatro lugares como alfombras voladoras que reposan momentáneamente en la plaza y que son utilizadas con espontaneidad por los vecinos antes de volver a emprender su vuelo.



más imágenes

Kalle Hakkarainen & Ville Walo: Keskusteluja/Discussions

Contemporary circus meets the images of an old Soviet silent film.

Music composed by Kimmo Pohjonen / Samuli Kosminen Kluster.

Premiere in Finland 12th October 2006 in Kiasma, Helsinki.

Premiere in France 16th November 2006 in Centre des arts du cirque de Basse-Normandie, Cherbourg.

see tour dates & more info: taikuri or walonet

tetro sotterraneo

Teatro Sotterraneo _ collettivo di ricerca teatrale


Performer: Sara Bonaventura, Iacopo Braca, Matteo Ceccarelli, Claudio Cirri

Dramaturg: Daniele Villa

Teatro Sotterraneo è un collettivo di ricerca teatrale in cui cinque elementi coabitano una pratica orizzontale che va dalla progettazione del prodotto scenico alla sua circuitazione. Il gruppo si definisce nel 2004: quattro performer e un dramaturg provenienti da più ambiti disciplinari (danza contemporanea, teatro, performing art, scrittura creativa e canto) collaborano alla costruzione di oggetti artistici che indagano un'estetica condivisa in continuo spostamento.

Ogni produzione del gruppo parte dalla focalizzazione di un campo d'indagine formale, accompagnata dalla selezione e dallo studio condiviso di materiali ad hoc provenienti da risorse anche distanti e accostate per contaminazione: arte scenica, performing art, arte visiva, video-arte e cinema, letteratura e drammaturgia, musica, grafica e design, videogiochi, pop culture in genere.

Agendo da "riduttore delle complessità" rispetto al campo selezionato, il gruppo ricava una consapevolezza progettuale su cui basa l'inizio dei lavori per la produzione; in questa seconda fase la pratica di Teatro Sotterraneo si arricchisce anzitutto della molteplicità dei percorsi formativi che compongono l'ensemble, per cui la ricerca produttiva vive della complementarietà di queste tecniche e della permeabilità dei ruoli di chi le importa nell'attività quotidiana. Per questo gli strumenti dei singoli sono divenuti in maniera esponenziale patrimonio condiviso e le scelte sceniche si configurano come risultante di una mediazione fra tecniche e pratiche differenti, una sintesi collettiva fondata su un background poetico-estetico condiviso. Questa parte del lavoro si attua attraverso training e improvvisazioni di tutti e cinque gli elementi, riprese con una videocamera: l'assenza del regista non implica l'assenza di un occhio esterno, poiché l'uso della ripresa video permette al gruppo di osservare in modo distaccato il proprio operato e procedere a una valutazione dei materiali prodotti, fra i quali vengono selezionati gli elementi ritenuti più interessanti e rappresentativi del percorso creativo in atto. L'ultima fase di costruzione consiste nel montaggio in scena, in cui niente è dato al caso: il corpo porta su di sé azioni, posizioni e gesti codificati e riproposti secondo una partitura corale in cui l'esecutore è vincolato e meccanicamente indirizzato ma libero di scartare, capace di condizionare sul momento un'azione scenica essenziale. Da qui il disegno complessivo dei diversi lavori, portato a compimento da una sistematica e capillare opera di interazione collettiva.





más aquí

frieder weiss

I am an 'engineer in the arts', software developer living in Nürnberg and Berlin (Germany) and work with artists making performances and installations. What I share with artists is the dedication of all my work and energy into making things which nobody actually needs. The software i write doesn't do anything useful, in the best of all cases it is used for something aesthetical.

Well, another part of my work is making systems for industrial quality inspection systems, also based on camera tracking. That might be useful to some people.

For part of my time i develop my own performance and installation projects and call myself 'software artist'.



WEB DE FRIEDER WEISS

aquí iría el jodido título de la obra, de david fernández

¿contestatario porque sí? no lo sé... pero me hubiera gustado verlo



si quieres más: penetra

CYNETart_03 :: Solo 4 Three by Frieder Weiß (D)

Performance
CYNETart_03transit, 10.10.2003, Festspielhaus Hellerau

concept/ realisation: Frieder Weiß (D)
dance/ choreography: Emily Fernandez (AUS)

People have known their virtual companion, their shadow, since human consciousness exists. It is our silent follower. We are not able to catch it. Something eerie sticks to the shadow, something our mind cannot grasp. It belongs to our self, although it is not a part of our body. It is always darker than we are and belongs to the emotional world.
In many cultures the shadow is described as the domicile of soul and life. Those without a shadow are dead.
Nowadays we also leave digital shadow-traces in the world of computers. We realise that this data effigy does not always go in accordance with our originally intended image. It could turn out to be extremely distorted, ambivalent, or outdated. That might be threatening at first sight but it might free us to play with our self as soon as we can freely and consciously shape our virtual companion.

CYNETart_00 :: mini@tures by Compagnie Magali et Didier MULLERAS

multimedia performance
CYNETart_2000, 12.11.2000, Festspielhaus Hellerau

choreography: Magali & Didier Mulleras
technical director: Nicolas Grimal
music: Didier Mulleras
dancers: Séverine Prunera, Elisabeth Martinez-Nicol, Magali Viguier-Mulleras, Didier Mulleras
video: Nicolas Grimal, Didier Mulleras
multimedia/ internet: Nicolas Grimal

CYNETart_00 :: mini@tures by Compagnie Magali et Didier MULLERAS from Trans-Media-Akademie Hellerau on Vimeo.

Action correlees by Wilfried Jentzsch (D)

Performance
CYNETart_03transit, 10.10.2003, Festspielhaus Hellerau

Composition/computer: Wilfried Jentzsch, programming: Frieder Weiß, movement/dance: Udo Zickwolf

The performance is a multi-layer interaction between movement and sound, allowing the performer to control electronic sounds with his movements. This is done using a special software EyeCon designed to let the magical eye of the camera analyse every point in the captured 3D space. The data controls musical parameters of two prefabricated mini-sequences of 25 and 40 seconds length. The sequences are based on granular synthesis. The actor modifies different aspects of the sequences
parameters like their speed and direction (forwards/backwards), their volume and the duration of the grains (sound bits).

Thus, complex networks develop between the three movement-controlled parameters. The scale ranges from smoothly flowing movements to maximum dynamic energy. The actors body language interprets the character of the sounds more or less continually. The composer, reacting from his PC, still has access to the sounds. He controls further parameters during the performance. - An acoustic reaction (in the form of the modification of the sound) emerges from the action of the dancer.
This again leads to an interaction through the stepping in of the composer. Correlations develop in a complex network of changes in apperception, a scanning of time and space leads to our innermost sensations.

Zachary Lieberman

Artista estadounidense que usa la tecnología de forma lúdica y enigmática para explorar la naturaleza de la comunicación y la delicada frontera entre lo visible y lo invisible. Sus performances, instalaciones y trabajos on-line investigan el input gestual, la extensión del cuerpo y la respuesta cinética. En colaboración con Golan Levin ha creado una serie de instalaciones – Remark, Hidden Worlds y Messa Di Voce - que presentan diferentes interpretaciones de cómo sería la voz si pudiésemos visualizar nuestro propio habla. Ambos han recibido recientemente una nominación del Wired Magazine's Artist of the Year Award, y han mostrado sus trabajos con gran éxito de público en numerosas exposiciones internacionales.

Lieberman ha sido artista residente en el Futurelab de Ars Electronica, en Eyebeam, y recientemente en el Dance Theatre Workshop, donde ha estado investigando acerca de cómo puede usarse la tecnología para apoyar el proceso coreográfico. Ha recibido el Award of Distinction de arte interactivo en el Festival Ars Electronica 2006.

Actualmente está realizando una gira con el concierto-performance Drawn, en el que formas pintadas cobran vida, saliendo del papel y reaccionando al mundo que tienen alrededor, Lieberman también ha desarrollado recientemente con NESTA un paquete de software para estudiantes discapacitados que transforma el movimiento en respuestas audiovisuales como medio de autoexpresión.



más información: aquí y aquí

Re:MARK Installation by Tmema

This video documents the Re:MARK installation at the Ars Electronica Center, Linz, 2002.

Re:MARK (2002: by Golan Levin and Zachary Lieberman, with production support from the Ars Electronica Futurelab) presents the fiction that speech casts visible shadows. With the help of voice analysis technology, motion sensing, and real-time computer animation, this interactive installation for two participants converts speech into whimsically animated letters and shapes that appear to float upwards from the shadow of the speaker's head. Visitors can also manipulate these forms directly, using the shadow of their own body. When a phoneme is recognized by the software with sufficient confidence, it is spelled out on the installation's display. If the visitor's utterance is not recognized by the software, an abstract shape is generated instead, whose form is tightly coupled to the speaker's vocal timbre. The result is a playful illusion in which visitors become actors in a shadow world of reactive cartoon language.

Re:MARK was a commission of the Ars Electronica Museum of the Future and was developed by Tmema (Golan Levin + Zachary Lieberman) in collaboration with the Ars Electronica Futurelab. The project was made possible within the framework of the Futurelab's Artist-In-Residence Program, generously sponsored by Siemens.

Re:MARK Installation by Tmema from Tmema on Vimeo.

Messa di Voce (Performance), Excerpts

This 6'04" video presents excerpts of the "Messa di Voce" performance at the ICA London, November 2003.

Messa di Voce (2003-: Golan Levin, Zachary Lieberman, Jaap Blonk, and Joan La Barbara) augments the speech, shouts and songs produced by two virtuoso vocalists with real-time interactive visualizations. The project touches on themes of abstract communication, synaesthetic relationships, cartoon language, and writing and scoring systems, within the context of a sophisticated, playful, and virtuosic audiovisual narrative. Custom software transforms every vocal nuance into correspondingly complex, subtly differentiated and highly expressive graphics. Messa di Voce lies at an intersection of human and technological performance extremes, melding the unpredictable spontaneity and extended vocal techniques of human improvisers with the latest in computer vision and speech analysis technologies. Utterly wordless, yet profoundly verbal, Messa di Voce is designed to provoke questions about the meaning and effects of speech sounds, speech acts, and the immersive environment of language.

Messa di Voce (Performance), Excerpts from Tmema on Vimeo.

4Hands by Bertrand Merlier & Jean-Marc Duchenne

8th Nov 2002, Festspielhaus Hellerau, Dresden, CYNETart-Festival

tc2.free.fr/4hands/4hands3e.htm

4Hands is a multimedia instrumental duet, an interactive performance investigating the sensitive world and the stimulating relations between technology, gesture, sound, and image. With one exception: no instruments are visible. The hands of the performers are at the centre, they are lighted intentionally, seeking the attention of the audience. Two monitors in the background show the artists' magnified hands. Their bodies are not of interest and only act as two marionettes telling allegorical stories thus vivifying sound and images.
Four hands spin, caress, knock, scratch, stretch, describe complex arabesques, and intriguing figures in a camera field of a square meter. The gestures of the performers obviously control images and sounds: one of the artists produces electro-acoustic music which is transferred to two speakers. The other artist operates the video projection on the big screen between the two monitors in the background. 4Hands plays different media for five voices: sound, images, the hands shown on the monitors and their shadows on the ceiling. Both artists use the same means: a camera and the EyeCon software for motion tracking.
In this comparatively new situation, the gestures of the performers are turned into visible sound and readable image. The electro-musical duet and the video projection completely change the habit and relation between sound and image. The "Lutheran virtuality" also raises many questions that, on their part, all allow an open point of view. However, beyond technology and machinery, the most important thing to remain is that the audience of 4Hands can experience an impressive, sensitive, and even sensual universe.

Many thanks to Frieder Weiß for his software EyeCon and for his precious help. Supported by Institut francais de Dresde, as well as producer and manager ThŽlme Contemporain

European Culture 2000 project in collaboration with Trans-Media-Akademie Hellerau, Ars Electronica Center Linz & V2_Organisation Rotterdam.

4Hands by Bertrand Merlier & Jean-Marc Duchenne from Trans-Media-Akademie Hellerau on Vimeo.

huaca virtuell @ la pampa Festival 2009

»huaca virtuell« ist ein virtuelles Environment, eine bewegte Klang-Bild-Umgebung der besonderen Art. Angeregt durch körperliche Bewegung erweitert sich der physische Aktionsraum hin zu einem mehrdimensionalen Atmosphären-Raum der Pampa. Streicht durch Pampagras und folgt den Pampahasen!

Software-Engineering: Jacob Korn, Matthias Härtig
Software: EyeCon, Kalypso (Frieder Weiß)
Sound: Jacob Korn
visuelle Gestaltung: Matthias Härtig

huaca virtuell @ la pampa Festival 2009 from lapampafestival on Vimeo.

ETP Madrid Phase 2: Interview with Jaime Del Val

Interview with Jaime Del Val, Director of Reverso. and organizer of the Phase 2 of the European Tele-Plateaus project that took place in Madrid from June 26th to 28th. He explains the goals of the workshops and the project vision for the creation and development of interconneted spaces. Images and words form the participants of the workshop are also presented.

"FRAMING PRESENCE

EMBODIED PRESENCE IN THE HIPERREAL CITY - CHALLENGING SURVEILLANCE: FOR AN EMBODIED PARTICIPATION IN THE EU

On the weekend 26th-28th of June in Matadero-Intermediae, Madrid, the second workshop of the project ETP took place, with the support of Medialab Prado and organised by Reverso.

In the workshop took part 30 local participants as well as over 15 representants of the four partners of the project from Dresden, Prague, Norrköping, Nürnberg and New York.

The workshop was a platform of experimentation for novel notions and techniques of telepresence, attempting to work on abstract and amorphous notions of presence that defy the strategies of simulation of capitalism and media culture.

From the workshop a group of over 20 local participants has developed, that will be linked to the project’s development. The group has met already in July 1st and 16th, discussing notions of identity vs. presence, affect vs. emotion, surveillance and control, and the possibilities to put into motion abstract modes of sexuality through the amorphous relational aesthetics in the project.

Experimentation was focused on sound interaction through parameters of proximity. Framing presence was one of the leading subjects of the workshop, which was attempted through putting defined objects in the interactive space.

The group will work towards public presentations in March 2010 in Madrid, developing the prototypes for a networked performance-installation." Jaime del Val


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más información: EuropeanTelePlateaus, Reverso

entrevistas de la BEAUX

30 entrevistas hechas por StudioBananaTV. Conoce a algunoa arquitectos punteros en su entorno natural (oséase, en el curro). Aquí unos ejemplos:







El resto, aquí

555 KUBIK / facade projection

Proyectado sobre la fachada del Hamburg Kunsthalle, de O.M. Ungers. La concepción de este proyecto deriva coherentemente, como explican en la página web, de la arquitectura subyacente – la concepción teórica y el patrón visual del Hamburg Kunsthalle. Luego agregan, la idea principal de la narración fue disolver y romper la rígida arquitectura del edificio, descubriendo diferentes interpretaciones de concepción, geometría y estética expresadas a través de lo gráfico y el movimiento.

The Basic idea of narration was to dissolve and break through the strict architecture of O. M. Ungers “Galerie der Gegenwart”. Resultant permeabilty of the solid facade uncovers different interpretations of conception, geometry and aesthetics expressed through graphics and movement. A situation of reflexivity evolves – describing the constitution and spacious perception of this location by means of the building itself.

555 KUBIK | facade projection | from urbanscreen on Vimeo.