Tim Burton en el MoMA

Taking inspiration from popular culture, Tim Burton (American, b. 1958) has reinvented Hollywood genre filmmaking as an expression of personal vision, garnering for himself an international audience of fans and influencing a generation of young artists working in film, video, and graphics. This exhibition explores the full range of his creative work, tracing the current of his visual imagination from early childhood drawings through his mature work in film. It brings together over seven hundred examples of rarely or never-before-seen drawings, paintings, photographs, moving image works, concept art, storyboards, puppets, maquettes, costumes, and cinematic ephemera from such films as Edward Scissorhands, The Nightmare Before Christmas, Batman, Mars Attacks!, Ed Wood, and Beetlejuice, and from unrealized and little-known personal projects that reveal his talent as an artist, illustrator, photographer, and writer working in the spirit of Pop Surrealism. The gallery exhibition is accompanied by a complete retrospective of Burton’s theatrical features and shorts, as well as a lavishly illustrated publication.

Burton's films include Vincent (1982), Pee-wee's Big Adventure (1985), Beetlejuice (1988), Batman (1989), Edward Scissorhands (1990), Batman Returns (1992), The Nightmare Before Christmas (as creator and producer) (1993), Ed Wood (1994), Mars Attacks! (1996), Sleepy Hollow (1999), Big Fish (2003), Corpse Bride (2005), Charlie and the Chocolate Factory (2005), and Sweeney Todd (2007); writing and Web projects include The Melancholy Death of Oyster Boy & Other Stories (1997) and Stainboy (2000).

Timed tickets are available online only for this exhibition at no extra cost. Simply select a specific date and time when you purchase your admission ticket online. Timed-ticket holders are guaranteed entry at the selected time. Please note that tickets purchased at the Museum are not timed. Untimed tickets do grant entry to the exhibition, but there may be a significant wait. Members and accompanying guests need not wait to enter Tim Burton. Simply present your membership card and/or member guest admission ticket at the exhibition entrance.

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Organized by Ron Magliozzi, Assistant Curator, and Jenny He, Curatorial Assistant, Department of Film, with Rajendra Roy, The Celeste Bartos Chief Curator of Film.

Tim Burton

November 22, 2009–April 26, 2010

Theater 1 Gallery
Theater 2 Gallery
Special Exhibitions Gallery, third floor
Museum Lobby

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Accompanied by the film exhibitions Tim Burton and Tim Burton and the Lurid Beauty of Monsters

Read more about the exhibition at INSIDE/OUT, a MOMA/P.S.1 blog.

Download the Family Activity Guide in PDF format (Adobe Acrobat Reader required).

View Related Events

excursión interactiva obligada

Superslim en campaña de Vodafone

RMD Kwikform Ibérica ha colaborado con Waskman Publicidad en la creación de unas plataformas publicitarias en Madrid y Bilbao que forman parte de la última campaña publicitaria de la multinacional de telecomunicaciones, Vodafone. La agencia de publicidad Waskman ha diseñado dos oficinas “sin cables”, una en Bilbao en la fachada de un edificio y otra en Madrid en pleno Paseo de la Castellana.

Para las dos oficinas RMD Kwikform has diseñado, suministrado y montado estructuras de soporte con su producto estrella, las vigas alveoladas Superslim. Sobre estas estructuras metálicas se apoyan las oficinas de Vodafone, que tienen un peso de 8.000kg cada una.

Otra vez más se demuestra la versatilidad del sistema Superslim y su enorme variedad de aplicaciones: encofrados de muro, encofrados de tableros, apuntalamientos de muros, estabilizadores de fachada, torres de apeo, casas modulares desmontables, decorados de televisión…

si quieres saber más sobre estas estructuras, mira esto

Chunky Move's Mortal Engine

concoe a esta peña aquí

Architecture = Sustainability

Architecture = Sustainability
Frédéric Druot architecture, Lacaton & Vassal architectes
Transformation de la tour Bois-le-Prêtre, Porte Pouchet, Paris 18

Architect : Frédéric Druot architecture, Lacaton & Vassal architectes
Builder : OPAC de Paris

Architecture=Sustainable /Frédéric Druot , Lacaton & Vassal
por Pavillon-Arsenal

>> More information about this building on the database of contemporary parisian architecture, click here.

combo, por blue y david ellis

COMBO a collaborative animation by Blu and David Ellis (2 times loop) from blu on Vimeo.

y no te pierdas esto!

Taller de escenografia interactiva @ LabFàbrica

The interactive Scenography Lab proposes the creation of theatre scenes by mixing new media with classical stage design.

The workshop is oriented to video-makers, musicians, scenographers, engineers or spectacle technicians who are willing to spend some days contributing with their creativity and experience. Some of the resources are based on audio, video, design, robotics, lightning and interactive technologies as well as scene design and the wit of participants.

The main goal is to realize some sketches on a little scale which mix together all these disciplines.

The workshop is divided into 2 weeks of work. One, in a Celrà’s LabFàbrica classroom, and the other one in the Teatre Ateneu of Celrà.

Interactive Scenography Lab from Santi Vilanova on Vimeo.

+info: santi@telenoika.net
telenoika.net

labfabrica.net

Ciclo de conferencias Arte/Tiempo Teoría y crítica de las prácticas performativas

Fecha: Miércoles, del 11 de noviembre de 2009 al 3 de febrero de 2010 Entrada: Gratuita. Hasta completar aforo
Organizan: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Universidad de Alcalá de Henares

La hibridación de las artes visuales y las escénicas, que comenzó en los años cincuenta del siglo pasado y dio lugar a distintas formas de arte de acción, teatros visuales y danza para lugares específicos, experimentó una nueva fase de profundización en la segunda mitad de los noventa y principios del siglo XXI. Esta exploración implicó una conexión, por una parte, con el auge de las prácticas relacionales y distintos modos de activismo, y, por otra, con la asunción de la virtualidad como contexto, que produjo el desarrollo de un teatro y una danza conceptuales, en muchos casos acogidos por espacios museísticos.

Esta profundización ha obligado a una nueva reflexión sobre la especificidad de estas prácticas y su aportación posible al debate cultural y político. De un lado, se observa una recuperación de procedimientos propios de lo teatral por parte de artistas visuales que trabajan en colectivo, recurren a la máscara como herramienta de acción y exploran la duración en sus procesos y en sus intercambios. De otro lado, la cuestión del cuerpo y la presencia, central en los primeros tiempos del arte de acción, parece haber sido sustituida en la práctica de numerosos coreógrafos y artistas escénicos por una investigación sobre el tiempo, el código y la continuidad del cuerpo físico y el cuerpo lingüístico.

Este ciclo de conferencias se propone con la intención de aportar nuevos marcos teóricos para situar y comprender la actualidad de las prácticas performativas más allá de su categorización tradicional (teatro, danza, arte de acción, música) y facilitar así el intercambio teórico con otros discursos artísticos y culturales. Junto a investigadores y académicos de reconocido prestigio, intervendrán en este ciclo artistas y críticos que están contribuyendo con su obra a repensar el sentido de las artes escénicas en la época de la virtualidad y de la crisis del capitalismo especulativo.

programa y más info: aquí

simplemente, soñar...

Así si que quiero Madrid Río...más sueños

Great Street Games / KMA

Esta impresionante instalación urbana estará funcionando desde el 29 de Octubre al 1 de Noviembre en Inglaterra. Los artistas digitales KMA (Kit Monkan y Tom Wexler) han desarrollado un torneo de atletas high-tech. Tomando lugar en 3 ciudades del norte de Inglaterra simultáneamente: Gateshead, Sunderland y Middlesbrough; cada una de ellas competirán entre sí a lo largo de cuatro noches.

KMA utilizará proyecciones de luces y tecnología de imágen térmica para crear estos “courts” interactivos sobre los cuales los movimientos humanos generan los efectos de luces.

Los movimientos físicos de los jugadores determinan los resultados de los juegos, los que se desarrollan en ciclos de 10 minutos. Los participantes desarrollan sus habilidades de juego como su progreso a través de un número de niveles para ayudar a su ciudad a alcanzar la victoria, o simplemente para entretenerse.

Los “courts” creados por la proyección de las luces, ontienen un área central de juego y dos zonas que representan las otras dos ubicaciones. Las bolas de luces aparecen desde el centro de cada court (estas imágenes proyectadas pueden ser movidas por los jugadores físicamente cuando las tocan. El objetivo del primer juego es que cada ciudad gane puntos para mover tantas bolas como sea posible a las otras ciudades. Los juegos constan de 90 segundos y 5 juegos hacen una serie) a través de las cuales el juego incrementa su complejidad a medida que los jugadores se familiarizan con las reglas. La ciudad con más puntos al final del juego, gana.

KMA busca apostar a la innovación digital en medioambientes de gran escala, para expandir las audiencias del trabajo más allá de los entornos físicos en los cuales se presentan.

Website oficial http://www.greatstreetgames.org.uk

Strange Attractors from Tom Wexler on Vimeo.

battle of branchage

Me gusta mucho más el trabajo Pablo Valbuena, pero esta chorrada hortera tiene su gracia:

Battle of Branchage from seeper on Vimeo.

producido por urbanscreen.com, esta proyección de los colectivos Seeper y Flat-e se presentó en el Jersey International Film Festival 2009.

Université féminine d'Ewha, Séoul, Corée, par Dominique Perrault

The establishment of a campus center for about 20 000 students:
- academic program: learning and sport-term project space, libraries, cafeteria
- administration
- commercial area: cinema, theatre, shops as well as external sporting spaces and car parks (20 000 m²).
Above and below the land previously occupied by Ewha Square and the athletic field the new «Campus Valley» provides both Ewhaians and prospective female leaders with much-needed space for continuing education and student services. The campus centre to be constructed is designed to offer a new sense of direction for higher education in the 21st century. It will establish organic relations between the centre and surrounding areas of campus as well as between above ground and underground spaces; and will serve to redefine access to the campus from the main road Jung Mun.

más aquí

pkmn

[pac-man] es un colectivo de arquitectos forma[´n]do[se] en Madrid en [desde] 2006 como grupo abierto para la producción y aplicación de pensamiento, herramientas y proyectos arquitectónicos y multidisciplinares, desarrollando exploraciones teórico-prácticas acerca de temas, conceptos y realidades como acción, ciudad, construcción, cuerpo, identidad, marketing, comunicación y memoria.

Algunos proyectos:

INOPIA
Primer Premio (Concurso Restring.)

Anteproyecto. Mayo-Junio.2009
Proyecto+construcción. 2009-2010
Puesta en obra. Sept-Oct.2010

Nuevo Centro Transportable para la creación industrial y artística. Guipúzcoa
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Transportable, industrial y low cost… ¿Cómo construir un hangar de trabajo con 15 containers High Cube de 40’?
El trabajo con containers se suele reducir a un problema de apilación, organización y customización, lo que produce una serie de proyectos de aspecto exterior muy diverso pero con características espaciales muy parecidas y siempre supeditadas a la geometría intrínseca del container, sus aristas estructurales y sus limitaciones.

De pequeño siempre había soñado con cazar un ratón con una caja de cartón levantada por uno de sus lados y sujeta con un palo atado a un hilo ( a la manera de El COYOTE en su intento de atrapar al correcaminos)...
INOPIA había aparecido...

MIX CITY
Green Water City Competition
Tercer Premio

Diciembre.2008 - Enero.2009

Concurso para un nuevo desarrollo urbano en Qingpu. China
[junto a Eva Gómez y Lucía Martí]

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Sistema programático

La propuesta de ordenación existente plantea una zonificación excesiva lo que produce un tipo de ciudad sectorizada en distritos de vivienda, comerciales, oficinas... Lo cual produce un excesivo protagonismo de los transportes. Un tipo de ciudad más heterogéneo con especializaciones puntuales produce una ciudad más flexible y vivida. Las zonas no tienen unos horarios determinados de uso y en la misma conviven usos muy heterogéneos y complementarios como en cualquier ecosistema vivo.

Un sistema industrializado bajo las premisas de la serie, la variación y la customización se propone como generador de diversidad.

PLAZA DOMINGO GASCÓN
Proyecto básico y de ejecución para el Ayuntamiento de Teruel
(blog de las obras 2008-2010)

Septiembre.2007 - Marzo.2008

Centro de Ocio + Diseño urbano ecolúdico en Teruel. Junto a Mi5
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El proyecto de remodelación de la antigua Plaza del mercado en el casco histórico de Teruel, propone la creación de un gran espacio para usos múltiples y actividades asociadas principalmente al ocio.

Objeto contemporánea de espacio fluido y actividades emergentes, dentro del cual se gestionan programas como cruce de caminos entre modernidad y tradición, monumentalidad y funcionalidad. Una plaza abierta al paisaje y a la ciudad como espacio de oportunidad para la creación de un centro multifuncional.

Esta doble condición es la que hace de la plaza un hervidero de actividad, un híbrido entre plaza y edificio, que surgirá como un referente tipológico de espacios públicos complejos entre los que Teruel podrá presumir de ser una de las ciudades pioneras.

visítalos

afinidades casuales

En esta imagen del jardín que trepa los peldaños de Balmori Associates he descubierto casi por casualidad un entorno urbano afín a mis inquietudes proyectuales actuales. Transversalidad, comunicación, estratos... Indagará en Bilbao, a ver so localizo comportamientos arquitectónicos útiles.

Wyly theatre

El teatro Wyly de Dallas, Texas argumentablemente uno de los motivos de la discordia y consecuente divorcio de Joshua Prince-Ramus y Rem Koolhaas que derivó en la creación de REX, abre sus puertas esta semana.

Como recordarás, el diseño del teatro responde a un singular acomodo de los diversos espacios del programa, sobre y debajo del auditorio creando un volumen vertical y liberando su perímetro al que se ha provisto de una fachada de cristal que puede ser cerrada, para establecer contacto directo de los alrededores desde dentro y viceversa.

Será el propio Rem que dé una charla mañana en el singular edificio cuya fachada creada a base de tubulares de sección circular de diversos radios de aluminio extruido conceden su caracteristica principal.

más info: web de rex,

Campus Cap Gemini / Cie

Arquitectos: Frits Van Dongen, de Architekten Cie / Ed Veenendaal, Veenendaal Bocanet & Partners
Ubicación: Utrecht, Holanda
Equipo de proyecto: R. ten Bras, P. Koschuch, P. Campos da Costa, B. Bocanet, H. Hrabak, M. Prokop, G. Trevetin
Año de construcción: 2003
Contratista: Nelissen van Egteren
Ingeniero estructural: IMD ingenieursburo Mlonbroek b.v.
Presupuesto: $68,000,000 EURO (US $106,5 M)
Superficie construida: 75,000 mt2
Fotografías: Daria Scagiola & Stijn Brakkee, De Jong Luchtfotografie

Las nuevas oficinas de Cap Gemini Ernst & Young se construyeron en el nuevo distrito de oficinas de Papendorp cuyo masterplan fue diseñado por OMA, ubicado al este de la ciudad de Utrecht, en Holanda. Como elemento central se diseñó una gran plaza, un hall central que articula la conexión entre cinco edificios separados. El espacio delimita el acceso mediante una inmensa concavidad que se levanta desde el suelo a través de numerosas columnas. Un parque ondulado y verde se ubica en la parte superior con el objetivo de integrar este espacio con el entorno inmediato.

Este nuevo paisaje cubre además los espacios de estacionamiento de autos. Algunos cortes en este paisaje permiten el ingreso de luz y vistas a los espacios interiores. (...)

más info aquí y de sus autores de Architekten Cie y

doré:::octubre

OCTUBRE 2009
Richard Brooks (I)
Recuerdo de Michelangelo Antonioni (y IV)
Os filmes da minha vida - Recuerdo de João Bénard da Costa (I)
Premios Goya (III)
Buzón de sugerencias
Bicentenario de Edgar A. Poe (II)
Sombras recobradas
Simon Lund
Muestra de cortometrajes de la PNR

No me perdería:

jueves 1:::21.45 :::Michelangelo Antonioni:::Sala 1:::L'avventura (La aventura, Michelangelo Antonioni, 1960):::Int.: Monica Vitti, Gabriele Ferzetti, Lea Massari:::Italia /Francia. VOSI/E*. 138'

"Lenta, taciturna y de una elegancia gélida, la película no trata tanto de cómo y por qué una joven desaparece de un grupo de ricos aburridos de vacaciones, como de la naturaleza desganada de la historia de amor en la que se embarcan su amante y su mejor amiga mientras la buscan distraidamente" (Geoff Andrew).

domingo 4:::19.30:::Michelangelo Antonioni:::Sala 1:::Zabriskie Point (Zabriskie Point, Michelangelo Antonioni, 1970):::Int.: Mark Frechette, Daria Halprin, Rod Taylor. VOSE*. 112'

"Zabriskie Point es la obra de alguien tan conmovido por el espacio, el silencio y la luz del desierto que para él la neurosis y el ego de las ciudades son una moda o una aberración... Casi cincuenta años después de que MGM redujera a la mínima expresión Avaricia, llega Antonioni y hace una película tan alejada de la identificación o el relato, tan anticomercial, tan obstinada y autodestructivamente bella, que casi arruina a la MGM" (David Thomson). Segunda proyección día 15.

martes 6:::22.00:::Richard Brooks:::Sala 1:::Key Largo (Cayo Largo, John Huston, 1948):::Guión: Richard Brooks:::Int.: Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall. EE UU. VOSE. 100'

Frank McCloud viaja a un pequeño hotel en Cayo Largo gestionado por James Temple, un inválido en silla de ruedas, y su nuera Nora, viuda de un amigo que falleció durante la Segunda Guerra Mundial. Nora y James le brindan una acogida calurosa, pero el gángster fugitivo Johnny Rocco y su banda se apoderan del hotel. Segunda proyección día 6.

martes 13:::20.00:::Buzón de sugerencias:::Sala 2:::Detour (Edgar G. Ulmer, 1946):::Int.: Tom Neal, Ann Savage, James Russo. EE UU. VOSE*.68’

"Detour tiene una de las tramas más enrevesadas del cine negro, que incluye una estructura en flashback, una extensa voz en off, un viaje por todo el país, varios asesinatos y cambios de identidad, una inolvidable mujer fatal y uno de los antihéroes más desdichados y masoquistas nunca conocidos, todo ello en poco más de una hora" (Gary Morris). Segunda proyección día 23.

sábado 17:::19.30:::Clausura de Sombras recobradas:::Sala 1:::Häxan (La brujería a través de los tiempos, Benjamin Christensen, 1922):::Int.: Ella La Cour, Elisabeth Christensen, Benjamin Christensen. Dinamarca. MRScSE*. 106' a 20 f/s:::Copia restaurada en 2007 por el Svenska Filminstitutet:::Con la presencia de Jon Wengström:::Acompañamiento de piano: Mariano Marín.

"Benjamin Christensen aparentemente pretendía que su película fuera un estudio serio de la brujería, pero en realidad consigue una obra de sadismo pornográfico. El impacto de la película se ha acrecentado con los años: las escenas de desnudo y las referencias escatológicas, lejos de parecer pacatas, han adquirido una cualidad siniestra, parecen los restos de una imaginación morbosa y arcaica" (Dave Kehr). Segunda proyección día 21.

jueves 22:::20.10:::Os filmes da minha vida:::Sala 1 Johnny Guitar (Johnny Guitar, Nicholas Ray, 1953). Int.: Joan Crawford, Sterling Hayden, Mercedes McCambridge. EE UU. VOSE. 110'

"Como las cosas muy grandes, Johnny Guitar no se explica. Se cuenta, se ve, una y otra vez, como las historias que se cuentan a los niños hasta que se las sepan de memoria y sepan que son ciertas. Es la Imitatio Christi de los cinéfilos. Se abre al azar y se encuentra la frase justa. Se ve por sexagésima vez y se encuentra la respuesta precisa para lo que se está viviendo" (J. B. da Costa). Segunda proyección día 25.

sábado 24:::17.30:::Os filmes da minha vida:::Sala 1 La Règle du jeu (La regla del juego, Jean Renoir, 1939):::Int.: Nora Grégor, Marcel Dalio, Jean Renoir. Francia. VOSE. 110’

"Bajo la apariencia 'inocente' y sobre una aparente 'desenvoltura' la obra cuestiona una estructura de sociedad y una concepción del amor. Meterse con una o con la otra nunca molestó demasiado. Atacar paralelamente las dos es otra cosa. (...) Renoir invierte y subvierte muchas reglas de muchos juegos. Y hace una película genialmente subversiva" (J.B. da Costa). Segunda proyección día 28.

miércoles 28:::17.30:::Os filmes da minha vida:::Sala 1 Senso (Senso, Luchino Visconti, 1954):::Int.: Alida Valli, Farley Granger, Rina Morelli. Italia. VOSE. 118'

"Una de las más curiosas paradojas de la historia de la relación cine ópera es que la descendencia de Senso no es cinematográfica sino operática (...) Son las escenografías con las que Visconti revolucionó la puesta en escena de la ópera de este siglo. En Senso, la voz y la imagen de Alida Valli prepara el camino a la voz y la imagen de Maria Callas" (J. B. da Costa). Segunda proyección en noviembre.

viernes 30:::17.30:::Os filmes da minha vida:::Sala 1:::Ordet (La palabra, Carl Th. Dreyer, 1954):::Int.: Henrik Malberg, Emil Haas Christensen,Birgitte Federspiel. Dinamarca. VOSE. 131'

"En la más clásica de las planificaciones se hace evidente para nosotros la promesa de Cristo. 'Si un día, con fe, dijerais a aquella montaña que se moviera, se movería'. La única vez que he visto que eso ocurriera es en esta película. Me diréis que es cine, pero no, no lo es. (..) Sólo la Palabra y la Imagen pueden suspender así. Y por eso dice San Pablo que, más grande que la fe, es el amor. Ordet, de Dreyer, es la película de ese amor" (J. B. da Costa). Segunda proyección en noviembre.

todos:::programados:::

Tone Matrix

Simple sinewave synthesizer triggered by an ordinary 16step sequencer. Each triggered step causes a force on the underlaying wave-map, which makes it more cute.

Based on the AudioTool engine thus no sources, I am sorry.

Press SPACE key to clear. Right-Click for Copy&Paste



JUEGA

más info en el blog . Para descubrir más cosas entra en el Laboratory de André Michellle

"rivers and tides"; andy goldsworthy

Try to picture an art piece that cannot be put in a museum, purchased by wealthy collectors, or displayed in a corporate foyer or boardroom – because it disintegrates in less than a day, perhaps even within 20 seconds. Try to imagine executing artwork through the medium of iron oxide chalk, raw sheep’s wool, flower blossoms, leaves and grass, feathers, random sticks and stones, broken rocks, pieces of icicle, green iris blades and red berries, thorns, bracken, or handfuls of snow. Try to fathom the notion that an artist could a take stroll in the woods, along a riverbank, down a beach, and with no tools at all – no paint brushes, no sculptor’s chisels or knives, no canvases or pedestals or quarried granite or polished wood – manage to create unutterably beautiful art from the objects and materials he finds by chance.

Often it seems that contemporary art has become a largely academic exercise, with artists frantically carving out tiny niches of discrete subject matter or distinctive media in which to say something, show something faintly “original.” But for more than two decades, Scottish sculptor Andy Goldsworthy has quietly been blowing that notion to smithereens. He’s the visual art world’s equivalent of Italo Calvino, who celebrated the wide-open choices available to him as a writer of short stories and novels while others lamented the death of the novel. Goldsworthy calmly demonstrates over and over that the forms, styles, and media available to the artist are approximately infinite.

In the documentary by German filmmaker Thomas Riedelsheimer, we watch Goldsworthy build man-sized standing “eggs” of stacked slate on a beach between tides; place a 50-foot spiral “worm” of leaves sewn together with grass in a pond, whence it begins to wend its way down a mountain stream; gnaw at icicle shards in order to piece them into a looping snake that seems to pass repeatedly through a stone promontory like a fat crystal thread; construct an “igloo” of driftwood that is carried away by the incoming tide in a stately galactic whirl.

Try to picture an art piece that cannot be put in a museum, purchased by wealthy collectors, or displayed in a corporate foyer or boardroom – because it disintegrates in less than a day, perhaps even within 20 seconds. Try to imagine executing artwork through the medium of iron oxide chalk, raw sheep’s wool, flower blossoms, leaves and grass, feathers, random sticks and stones, broken rocks, pieces of icicle, green iris blades and red berries, thorns, bracken, or handfuls of snow. Try to fathom the notion that an artist could a take stroll in the woods, along a riverbank, down a beach, and with no tools at all – no paint brushes, no sculptor’s chisels or knives, no canvases or pedestals or quarried granite or polished wood – manage to create unutterably beautiful art from the objects and materials he finds by chance.(...) sigue aquí

Magdalena Jetelová

Magdalena Jetelová es una de las artistas checas más conocidas internacionalmente. Su incursión en el mundo del arte tuvo lugar ya en los años 60 cuando presentó sus primeras esculturas, con el correr del tiempo su obra ha evolucionado enormemente hasta situarla en el pedestal de los artistas que escriben su nombre con letras mayúsculas.La obra de Magdalena Jetelová se encuentra marcada por una especie de "magnetismo" que se desarrolla en el contexto de su periódo "pacifista" comprendido como una reacción al régimen comunista de la hoy extinta Checoslovaquia. Su obra de entonces, gigantescas sillas y mesas, fue como una luz intermitente en medio de las tinieblas que cubrían la sociedad checa durante el totalitarismo.

En los años 80 todavía se percibe la lucha de Jetelová contra el sistema imperante. Su obra "Escaleras", representó la desesperación de la sociedad checa de entonces: Las escaleras suspendidas en el espacio no conducían a ninguna parte. Según explicara la artista, esa situación la puso entre la espada y la pared lo que la obligó a abandonar su país natal en 1985 e instalarse en Alemania. El gran escape del régimen comunista la convirtió en un tipo de "leyenda" para ciertos círculos artísticos checos.

Magdalena Jetelová supo aprovechar su nuevo "hábitat" cultural que poco a poco fue influyendo su obra. Si hasta el momento en su trabajo destacaban utensilios de la vida cotidiana trabajados en madera ordinaria pero de dimensiones gigantescas, empezó el camino hacia el empleo de enormes espacios naturales, ya fuese en ciudades o en el campo.

Su obras fueron expuestas en los museos más importantes de Alemania, Austria y EE.UU. Uno de sus críticos llegó a decir que las enormes obras tridimensionales de Magdalena Jetelová "quedaban pequeñas" en los museos.


Resulta que las salas y los patios de los museos no ofrecen muchas veces las condiciones necesarias para apreciar obras superdimensionadas. Otras obras se encuentran directamente en las ciudades o naves de antiguas fábricas lo que permiten apreciar en su totalidad el mensaje de la artista checa Magdalena Jetelová.

La Galería de la Ciudad de Praga muestra actualmente en sus principales salas algunas de las obras de Magdalena Jetelová de mediados de los años 90, en la exposición "Urban Landscape" sobresalen elementos del tiempo y el espacio en un contexto urbano y geográfico.

En fotografías de gran formato los visitantes pueden apreciar, por ejemplo, "Atlantic Wall, 1994-1995". La línea de bunkers del Ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial se extendía desde la costa europea en Noruega hasta España. Fueron construidos entre 1942 y 1944 con el objetivo de impedir una invasión de las fuerzas aliadas. Los monolitos de hormigón armado no soportaron el paso de los años ni las inclemencias del tiempo. Hoy después de más de 50 años los restos de los bunkers nos recuerdan enormes rocas carcomidas por el mar.

Sobre la superficie de los bunkers Magdalena Jetelová proyectó textos luminosos tomados de la obra de filósofos franceses que se refieren a espacios militares y a la filosofía de la violencia en las operaciones militares.

De acuerdo con la crítica, se trató de una obra muy impactante contra la guerra y la violencia. Los textos sobre la superficie irregular de los bunker "desaparecieron" con las sombras de la noche y con lo sombría historia de las guerras protagonizadas a lo largo de la historia de la Humanidad.

Para detallar un poco más la obra de Magdalena Jetelová cabe mencionar el empleo de rayos luminosos. Por ejemplo en lo que se conoció como proyecto Islandia 1992, partió imaginariamente el país en dos, con una línea de rayos láser que simbolizaba la frontera entre América y Europa. Fue una línea divisoria cargada de elementos históricos, culturales y por supuesto geográficos.

Muy interesante ha resultado también la muestra "La Habana 1994-1995". Los visitantes de la exposición de Praga pueden apreciar el punto de contacto o bien de separación entre el mundo que representaba la colonia española, con sus majestuosos palacios de los "señores explotadores", contrastando con la revolución castrista, con la utopía de la sociedad sin clases y del nuevo orden en el llamado Tercer Mundo. De acuerdo con Jetelová ambas culturas se desmoronan y en sus ruinas se encuentran más unidas que nunca.

Los "esqueletos" de las bellas casas coloniales de La Habana son testimonio de una época de oro, pero lo impresionante es que a esos edificios no les dejan morir en paz, para sorpresa de muchos, la ropa tendida en los restos de balcones da a entender que ahí, en esos escombros, viven seres humanos. Se trata de una mezcla de antigua belleza con el horror de nuestros días. La obra se encuentra enriquecida con música latinoamericana.



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casa serra_barueri

esta imagen me ha inspirado... a buscar proyectos con pasarelas

Balance Concept: Uster y Fällanden – Haerle Hubacher und Hofmann

Estos dos ejemplos, construidos en Suiza en las localidades de Uster, en los años 2000-2001 y en Fällanden en 2002-2003, ensayan diversas posibilidades de terminación de los balcones perimetrales y por tanto, de las fachadas. La planta de los edificios es prácticamente la misma, con ligeras variaciones del núcleo de servicios en el proyecto de Fällanden.

Memoria

A pesar de toda planificación urbana y de las objeciones ecológicas, la casa familiar suburbana sigue siendo el sueño de muchas familias. El concepto de desarrollo de vivienda “Balance”, que ya se construido en tres localidades, se esfuerza por crear alternativas sostenibles y atractivas.

En Uster, a sólo once minutos de Zurich en tren de cercanías, treinta y cuatro “casas” eficientes en recursos se concentran en siete bloques puntuales de varios pisos.
Los pisos individuales – se venden como cáscaras estructurales nobles que comprenden alrededor de 190 m² interiores y más de 100 m² de espacio exterior – se unen las cualidades de una vivienda unifamiliar, incluyendo una galería perimetral, con ventajas como la minimización de costes y la flexibilidad tipológica.
La distribución se reduce a dos puntos de acceso desde la escalera exterior, un núcleo de instalaciones, y una capa independiente de armarios que contiene el sistema de ventilación para el sistema “Minergie” de colectores de calor geotérmicos e intercambiadores de calor, el cual, sin embargo, requieren suplementarse con calefacción eléctrica.
Con un mínimo esfuerzo, se pueden hacer variantes a la vivienda, desde un loft hasta casas de 8 habitaciones. Esto produce diversidad social – familias jóvenes junto a las personas mayores, que pueden subarrendar, o una oficina en la azotea.

Uster

Terreno: 11.562 m²
Total de unidades: 35
Superficie útil por piso: 190 m²
Área de balcones por planta: 70 m²
Coeficiente de uso de suelo: 0,61

ter

Terreno: 11.562 m²
Total de unidades: 35
Superficie útil por piso: 190 m²
Área de balcones por planta: 70

Fällanden

Terreno: 12.657 m²
Total de unidades: 52
Superficie útil por piso: 190 m²
Área de balcones por planta: 70 m²
Coeficiente de uso de suelo: 0,72

Coeficiente de Constructibilidad: 2.75




más información: aquí

how to write and use an artist statement

Your artist's statement can be a moving testament to your creativity and integrity. The expression of this commitment will vary, but the effectiveness of your artist's statement stems from the authority with which you write it.

Our words "author" and "authority" come from the Latin root "augere," which means "to increase, to create, to promote." This implies that the notions of creation and promotion are compatible! The more I muse on the meaning of working from my authority, of being the author of my work and of my conduct, the more I understand that authentic communication about my work is a powerful tool for creative growth as well as for business success.

The exercises in this section will get you centered and in touch with your own authority. When I write promotional materials for artists (or any kind of business) I always have the principal people involved do these exercises first. I use the words and phrases they generate to compose compelling artist's statements on their behalf. This way their creative authority is incorporated in the finished product.

Think of your artist's statement as a nourishing stew. The rich flavors and inviting aroma will feed your spirit and summon wonderful people to your table. You'll want to make sure your stew is made from the freshest, finest ingredients and that it has been simmered and seasoned with care. Do this, and you will be proud to share your creative vision – your authority – with others.
WRITING YOUR ARTIST'S STATEMENT

You'll need pencil and paper, a dictionary, and a thesaurus.
STEP ONE: Assemble the Ingredients.

1. Take five minutes and think about why you do what you do. How did you get into this work? How do you feel when work is going well? What are your favorite things about your work? Jot down short phrases that capture your thoughts. Don't worry about making sense or connections. The more you stir up at this point, the richer the stew.

2. Make a list of words and phrases that communicate your feelings about your work and your values. Include words you like, words that make you feel good, words that communicate your values or fascinations. Be loose. Be happy. Be real. Think of these as potential seasonings for your stew. You don't have to choose which ones to use just yet, so get them all out of the cupboard.

3. Answer these questions as simply as you can. Your answers are the meat and potatoes of your stew. Let them be raw and uncut for now.

1. What is your favorite tool? Why?
2. What is your favorite material? Why?
3. What do you like best about what you do?
4. What do you mean when you say that a piece has turned out really well?
5. What patterns emerge in your work? Is there a pattern in the way you select materials? In the way you use color, texture or light?
6. What do you do differently from the way you were taught? Why?
7. What is your favorite color? List three qualities of the color. Consider that these qualities apply to your work.

4. Look at your word list. Add new words suggested by your answers to the questions above.

5. Choose two key words from your word list. They can be related or entirely different. Look them up in a dictionary. Read all the definitions listed for your words. Copy the definitions, thinking about what notions they have in common. Look your words up in a Thesaurus. Read the entries related to your words. Are there any new words that should be added to your word list?

6. Write five sentences that tell the truth about your connection to your work. If you are stuck, start by filling in the blanks below.

When I work with__________ I am reminded that___________.

I begin a piece by______________.

I know a piece is done when__________________.

When my work is going well, I am filled with a sense of _____________.

When people see my work, I'd like them to ________________.
STEP TWO: Filling the Pot.

Write a three paragraph artist's statement. Keep your sentences authentic and direct. Use the present tense ("I am," not "I was," "I do," not "I did.") Be brave: say nice things about yourself. If you find that you falter, write three paragraphs about an artist whose work you admire. Then write about yourself as though you were an admiring colleague. As a rule, your artist's statement should be written in the first person. Refer to yourself with the pronouns "I, me, my." If this blocks you, write in the third person, then go back and change the pronouns as needed when you get to Step Four. Use the suggestions below to structure your statement. Write three to five sentences per paragraph.

First paragraph. Begin with a simple statement of why you do the work you do. Support that statement, telling the reader more about your goals and aspirations.

Second paragraph. Tell the reader how you make decisions in the course of your work. How and why do you select materials, techniques, themes? Keep it simple and tell the truth.

Third paragraph. Tell the reader a little more about your current work. How it grew out of prior work or life experiences. What are you exploring, attempting, challenging by doing this work.
STEP THREE: Simmering the Stew.

Your artist's statement is a piece of very personal writing. Let it simmer overnight before your reread it. This incubation period will help give you the detachment necessary to polish the writing without violating your sense of integrity and safety. While your statement simmers, let your mind wander over the ingredients you assembled in Step One. Allow yourself to experience the truth of your creative experience. Marvel at the wealth of seasonings and abundance of vegetables you have at your disposal. Enjoy the realization that your work is grounded in real values and experience. If you think of things you might have left out of your statement, jot them down, but leave the statement alone.
STEP FOUR: Taste and Correct the Seasonings.

Read your statement out loud. Listen to the way the sounds and rhythms seem to invite pauses. Notice places where you'd like the sound or rhythm to be different. Experiment with sounding out the beats of words that seem to be missing until they come to mind. Do this several times until you have a sense of the musical potential of your statement. As you read your statement, some phrases will ring true and others false. Think about the ones that aren't on the mark and find the true statement lurking behind the false one. You may find that the truth is a simpler statement than the one you made. Or your internal censors may have kept you from making a wholehearted statement of your truth lest it sound self-important. Risk puffing yourself up as long as your claims are in line with your goals and values.

Keep reading and revising your statement until you hear a musical, simple, authentic voice that is making clear and honest statements about your work. Refer to your word list and other Step One exercises as needed. By now your taste buds are saturated. You need a second opinion. Choose a trusted friend or professional to read your statement. Make it clear that you are satisfied with the ingredients on the whole, but you'd like an opinion as to seasoning. In other words, you alone are the authority for what is true about your work, but you'd like feedback on clarity, tone, and such technical matters as spelling and punctuation. Once you've incorporated such suggestions as make sense to you, make a crisp, clear original of your artist's statement. Sign and date it. Make lots of copies, you will have lots of people to serve it to!
STEP FIVE: Summon the Guests.

There's little point in concocting a fabulous stew if you don't invite anyone to dinner. Every time you use your artist's statement you extend your circle of influence and build new branches of the support network for making, showing and selling your work. Enclose a copy of your artist's statement whenever you send a press release, letter of interest to a gallery or store, or contact a collector. Send it to show promoters and curators. Enclose a copy with shipments of your work so it can be displayed wherever your work is exhibited. The rest of this manual will suggest many opportunities for using your artist's statement to express your truth and support your presentations.
STEP SIX: File Your Recipe!

Save all the notes and drafts that you've made. You'll want to revise and update your artist's statement from time to time to reflect changes in your work.

Still, it is likely that many of the underlying expressions of your authority will remain the same. Having access to the "recipe" for your original statement will help you generate better revisions and will give you a sense of creative continuity. Whenever you need copy (for announcements, packaging, exhibit catalogues, etc.) return to your warm-up exercises. The words and phrases there will help you write openly and honestly about your work. And repeating the exercises will help you chart new creative territory.

De las tablas al celuloide: trasvases discursivos del teatro al cine ... Escrito por Pablo Iglesias Simón

DE LAS TABLAS AL CELULOIDE es una reelaboración y síntesis del trabajo de investigación realizado para la confección de la tesis doctoral “Trasvases discursivos del teatro de finales del siglo XIX y principios del XX al Cine Primitivo y al Cine Clásico de Hollywood”. La tesis fue dirigida por Margarita Schmidt Noguera y defendida el día 12 de julio de 2005 en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. El tribunal estuvo presidido por Emilio C. García Fernández y actuaron, en calidad de secretario, Julio Sánchez Andrada, y de vocales, Ángel Martínez Roger, Eduardo Pérez-Rasilla y Jesús Alcalde de Isla. La tesis obtuvo la calificación de Sobresaliente Cum Laude por unanimidad y a su autor le fue concedido el Premio Extraordinario de Doctorado. En el libro se han obviado muchas de las referencias, textuales, gráficas y cinematográficas, que sustentan algunos de los argumentos de la investigación. Por este motivo, se invita a aquellos que quieran profundizar en el tema a que consulten la tesis doctoral original que se encuentra catalogada con la signatura T28635 en la Unidad Bibliográfica y Documental de Tesis Doctorales de la Universidad Complutense de Madrid.



para leer la tesis, un poco

Morphogenesis_Jaime del Val (Reverso)

Morfogénesis es un proyecto experimental y pionero en la hibridación de arte electrónico, danza interactiva, arquitectura virtual y electrocústica. Se trata de una performance de danza interactiva en la que el sonido y la imagen de vídeo y 3D son producidos y procesados en tiempo real a través del movimiento del cuerpo, capturado por una cámara de vídeo e importado al ordenador para su análisis en tiempo real. Se procesa en tiempo real la voz de la propia bailarina, espacializada en cuatro canales independientes que generan un espacio sonoro en trasformación permanante, en el que los sonidos se desplazan en relación con el movimiento del cuerpo. Se procesa también la imagen de la bailarina, en un discurso de abstracción visual, de cine abstracto; así como imágenes de vídeo pregrabadas, en un contexto de cine interactivo abstracto y de narrativa experimental.

La imagen 3D entra en el mundo de la escultura y la arquitectura virtual interactiva y generativa; primero unos modelos tridimensionales abstractos se trasforman en tiempo real a "duo" con la bailarina, respondiendo a su movimiento, luego estelas y partículas se generan en relación con el movimiento, el espacio se disuelve en materia pictórica.

La pieza tiene una base textual y poética igualmente abstracta, de la que fragmentos aparecen y desaparecen disueltos en el paisaje sonoro, se trata de fragmentos de poemas, los que aparecen al final de este programa, resonancias fragmentadas del cuerpo.

La bailarina-performer aparece tenuemente iluminada a través de una gasa sobre la que se proyectan las imágenes que ella misma genera de forma interactiva, que constituyen el único espacio escenográfico. La forma del cuerpo se diluye en la penumbra, se torna un híbrido abstracto, abre su campo de significantes y significados.


Se trata de una serie de estudios para cuerpo posthumano, o amplificado, de un discurso de frontera de la representación, sobre las hibridaciones del lenguaje y de las disciplinas que se pueden producir en el ámbito de las nuevas tecnologías y del cuerpo amplificado, el cuerpo-hyperinstrumento, allí donde el discurso se abre al afuera, donde el cuerpo, la materia, se plantea como un incierto proceso de representación nunca concluido. En Morfogénesis, la forma nunca se concreta, tanto a nivel gestual y coreográfico, como visual o sonoro, permaneciendo en la inquietante zona fronteriza, allí donde se cuestiona la posibilidad de una percepción objetiva de la realidad, donde la forma se hace y se rehace. Son los paisajes silenciados de cuerpo, paisajes del reverso que "hablan" en la frontera de la inteligibilidad, donde el exceso del lenguaje se torna lenguaje, a riesgo de caer en el reino de lo impronunciable.

Morfogénesis es un término que se utiliza originariamente en biología para definir los procesos de formación de los órganos en los organismos que nacen. En Morfogénesis la forma nunca se concluye, las secuencias no son elemenetos estructurales definidos sino delgadas líneas oscilantes de un proceso de sedimentación, no se trata de órganos sino de anti-órganos de un cuerpo-hiperinstrumeto nunca concluido, un proceso con múltiples dimensiones temporales.

Para Morfogénesis se ha desarrollado una programación específica del software de sonido e imagen. La suma de software, hardware, espacio, luz y cuerpo conforman un complejo instrumento. Morfogénesis es el proceso de construcción, afinación y aprendizaje de dicho instrumento, un trabajo de improvisación cuya sedimentación resulta en la performance. Se trata de un replanteamiento de los procesos de significación, de escritura, de formación del lenguaje en un contexto híbrido y tecnológico, un cuestionamiento de fronteras disciplinares y corporales que resulta no solo en una mutación del lenguaje, sino, sobre todo en una apertura del mismo. Ya no tenemos la relación cerrada significado-significante del lenguaje verbal, sino un horizonte abierto de asociaciones y relaciones entre planos de significación cuyas fronteras se desdibujan, un meta-lenguaje o lenguaje de lenguajes, y el meta-cuerpo que lo constituye.

La performance, que se presentará en el futuro también como conjunto de instalaciones interactivas y on-line, forma parte de un proyecto (reverso - Cuerpos Frontera) en el que se estudian las relaciones entre cuerpo, arte y tecnología.





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microdanzas_ Jaime del Val (Reverso)

Microdanzas es un proyecto de fotografía, vídeo, instalación y performance
que explora dos aspectos relacionados: la transformación del cuerpo (su representación, su anatomía y sus lenguajes) mediante la proximidad de la cámara y el encuadre fragmentado, y la transformación
en la propiocepción que se produce cuando el cuerpo improvisa a través de su imagen fragmentada.

En las fotografías el trabajo se centra en el encuadre, la proximidad, el foco y la luz. Las imágenes en blanco y negro no tienen procesado digital. De nuevo se explora el medio fotográfico cuestionando la categoría de objetividad y materialidad. Los encuadres exploran la frontera de lo abstracto, donde apenas aún reconoces que es un cuerpo, o dejas de reconocerlo por completo. Surgen los interrogantes: ¿es esto un cuerpo?, ¿qué parte de qué cuerpo? Es un elemento extraño y al mismo tiempo tan cercano, su exceso te absorbe, te desborda en todas direcciones, no puede contenerse: es un cuerpo abierto que habla, puro exceso y presencia. Paisajes y formas inciertas que pueden o no sedimentar en el terreno de lo concreto: en su incertidumbre, en su pasaje fronterizo su potencial de significados se abre en todas direcciones.



En las series de vídeo (videodanza y cine abstracto) se exploran encuadres similares pero la dimensión temporal añade un aspecto crucial: la abstracción del movimiento, del gesto, de la temporalidad del cuerpo. Se trata de una exploración de micromovimientos, en evolución minimalista, como fonemas y sílabas de un nuevo lenguaje, que es al mismo tiempo familiar en su extrañeza: cualquier movimiento de los que el cuerpo realiza inconscientemente puede de pronto adquirir un significado ampliado y nuevo, que explora el potencial de ser del cuerpo en una explosión de significantes abiertos.
Pero el aspecto más interesante del proceso no es la edición de la pieza de vídeo, sino la improvisación delante de la cámara: me muevo con la mirada fija en la imagen que captura la cámara, proyectada en una pared o un monitor. Es mi cuerpo pero en un momento dado comienzo a percibirlo como otra cosa, la escala amplificada y la abstracción inducen al descubrimiento de horizontes nuevos del movimiento, la sensación, la consciencia, la propiocepción y el tiempo del cuerpo. De pronto pierdo el contacto con el cuerpo desde dentro para recobrarlo a través de esa imagen amplificada que se ha convertido en otro cuerpo. Me convierto en ese otro cuerpo que es al mismo tiempo mi cuerpo, o que ha dejado de ser el cuerpo de un sujeto y es simplemente, cuerpo, inmanencia. Cuanto más se profundiza en el proceso más se explora el nuevo horizonte de lenguajes, la improvisación sedimenta en una escritura, en una técnica.

Se trata también de una desterritorialización radical del cuerpo. Por ejemplo, puede ser en ocasiones difícil distinguir los órganos, puede confundirse una mano con un órgano sexual que palpita, pero acaso entones la mano es ese órgano sexual, estamos ante un cuerpo intensivo que balbucea en toda su potencia. ¿Erotización total del cuerpo o abstracción total?, o más bien se cuestiona el territorio normativo y discursivo del sexo: no puede ser pornografía pura, ni postpornografía, pues la materialidad del cuerpo, su anatomía y su forma, sus lenguajes y acciones, en el límite de la inteligiblidad, no pueden adscribirse nunca totalmente al territorio dado. No es género ni parodia del género, es otra cosa. No es relevante identificar las partes, sino perderse en el océano del puro exceso de la significación, pero sí intento conscientemente explorar el umbral inquietante en el que no estás seguro de lo que ves: el umbral de la representación y su morfogénesis.

Concepción, fotografía, vídeo y performer: Jaime del Val
Modelos y performers: Jaime del Val, Olinto Rubio y Daniel Serrano.

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Cómo preparar un proyecto para una ayuda de producción

La claridad y la concreción son la base para conseguir lo que deseas.

Recuerda que una ayuda de producción no es una beca de investigación.

Presentarse compulsivamente a concursos y becas te provocará un gasto energético y económico que te podrías ahorrar centrándote en aquellas convocatorias que realmente se ajustan a tus necesidades. Improvisando un proyecto el día anterior a que termine el plazo de solicitudes e inventando el presupuesto no haces más que ponerte en evidencia ante personas PROFESIONALES. No desaproveches la ocasión de que se lleven una buena impresión de tu trabajo.

Ser 'flor de un verano' no debería ser tu objetivo, la carrera artística es una carrera de fondo que pide esfuerzo y preparación. Ser serio y profesional da confianza suficiente para que otras personas crean en tu trabajo.

Aspectos generales bien valorados por el jurado(al margen del interés estético y conceptual de la propuesta):

* Orden y claridad. Un proyecto de producción no es ni un libro de artista ni un dossier ni un catálogo, por lo que se recomienda no excedirse en el diseño. Es preferible una maquetación sencilla, aséptica y clara, ya que un exceso de diseño puede distraer y dificultar la legibilidad, cosa que repercute negativamente en el proyecto.

* Información completa y concreta. Por ejemplo, especificar siempre la medida, tamaño, duración de las obras a producir. Ver más abajo el apartdado Ser concretos.

* Adecuación del proyecto a las bases.

* Adecuación del proyecto al objectivo de la ayuda. El proyecto encaja con la línea conceptual y la especificidad de la beca y la entidad que la convoca. Es recomendable que busquéis un poco de información sobre las últimas convocatorias de la ayuda, esto os ahorrará dinero y disgustos.

* Profesionalidad. A los artistas se nos exige profesionalidad, como en cualquier otro campo.

* Implicación del artista con el proyecto: si hay un interés real del artista por el proyecto, si cree en él, si ha trabajado a fondo, si el proyecto es coherente con trabajos anteriores, etc.


RECOMENDACIONES

* Leer bien las bases y conocer los objetivos de los organizadores al convocar la ayuda. Esta ha de ser adecuada a mi proyecto por lo que respecta a:

proporción: considera si el proyecto o la fase que quieres hacer es proporcional a la oportunidad de financiación que me ofrece la ayuda. Un proyecto que requiera pocos recursos económicos puede ser interesantísimo. Intentar estirar el dinero para hacer una producción demasiado grande coloca al proyecto en una situación de precariedad de la que puede salir muy mal parado. Si la desproporción es grande y evidente, el jurado lo valorará negativamente.

la fase en la que está mi proyecto. Si la ayuda es una beca de producción, generalmente se pide que el proyecto sea muy concreto y esté en una fase avanzada de la investigación, cosa que permite definir qué se producirá y cómo. Es decir, ha habido un trabajo previo importante por vuestra parte ANTES de presentar el proyecto. Existen ayudas para otras fase de la creación, como la investigación, que no están orientadas a la producción de obra acabada. Determinados procesos de trabajo encajan mejor con este tipo de ayudas. Esto no significa, sin embargo, que no hayáis de ser concretos también, explicando cuál es vuestra metodología de trabajo, con qué elementos experimentaréis y cómo...siendo aquí muy importante adjuntar un plan de trabajo.

la visibilidad que me ofrece la ayuda. Imaginemos que necesito hacer unas pruebas, investigación o trabajo de campo que me llevarán a resultados imprevisibles. Como necesito financiar estas pruebas, pido una ayuda, pero veo en las bases que el resultado de la producción tendrá mucha visibilidad...quizás me conviene buscar otro tipo de beca.


- Demostrar la viabilidad del proyecto:

Viabilidad económica. ¿Cómo? haciendo un buen presupuesto= un presupuesto real. Os aconsejamos lo siguiente:

* Si existen, leer con atención las instrucciones específicas de la entidad que convoca la ayuda sobre el presupuesto a presentar.

* Se listarán todas las necesidades del proyecto y no sólo aquelles a cubrir con la ayuda.

* Haremos costar nuestros honorarios. Es un signo de profesionalidad y de compromiso con el proyecto.

* Haremos constar todas las fuentes de financiación que tenemos, también aquellas que sean colaboraciones, patrocinios, etc. El presupuesto ha de hacer visibles los gastos del proyecto y también los ingresos.

* El presupuesto será lo más detallado posible: es necesario cuantificarlo todo, especificando los proveidores reales. Esto requiere una dedicación considerable, y se hace muy evidente cuando el jurado estudia un presupuesto qué proyecto hizo este trabajo y qué proyecto no.

* El presupuesto ha de coincidir con el plan de trabajo en días, fases, cantidades...

* Nunca inventarse el presupuesto en 5 minutos, por ejemplo dividiendo en conceptos aproximados la cantidad total que ofrece la ayuda. Esta operación se hace muy evidente al jurado y nos perjudica. Si finalmente nos dan el dinero, podemos tener un grave problema para producir la obra con este dinero.

* Algunos proyectos requieren ser divididos en diferentes fases y afrontar su financiación por partes. En ocasiones se hace imposible presupuestar todo el proyecto sin antes elaborar prototipos o hacer pruebas.

* Leer bien las bases para ver si está permitido presupuestar a cargo de la beca o ayuda bienes inventariables. ¿Qué son? La compra de equipos que os quedaréis y podréis utilizar en otros proyectos, ya que no se agotan en el proyecto actual: ej. la compra de una cámara, de un ordenador... Algunas subvenciones permiten el alquiler de este tipo de equipos pero no su compra. En algunos casos, encontraréis problemas para justificar que un ordenador que tenéis que comprar puede no ser un bien inventariable, por ejemplo, si es inseparable de la pieza producida. Os recomendamos que os pongáis en contacto con los organizadores para explicarlo y evitar que os descarten este elemento del presupuesto.

* Os recordamos que la Central de Producción de Hangar es un servicio gratuito donde os podemos ayudar a elaborar vuestros presupuestos. Tan sólo es necesario que pidáis una cita con el tiempo suficiente (produccio@hangar.org).

Viabilidad técnica. Cuando el proyecto tiene una cierta complejidad técnica nos ayudará el demostrar que es viable. Algunos consejos:

* El proyecto no es una estimación genérica sinó una concreción de las necesidades reales de la producción, especificando los proveedores reales. La concreción es una virtud. Una digresión teórica abstracta puede ser muy interesante pero no suple la concreción y los datos técnicos necesarios, de manera que es mejor ser breve en la teoría, reservándole más espacio en el statement o el dossier, y ser muy conciso y técnico en la descripción del proyecto.

* Previamente a la redacción del proyecto os podéis asesorar por técnicos especializados. Os recordamos que en Hangar disponemos de un equipo de personas muy completo que os aconsejan gratuitamente y os pueden ayudar a tomar decisiones y a plantear el desarrollo técnico. Si pedís este servicio con el tiempo suficiente (produccio@hangar.org), podréis planificar bien el proyecto con nuestra ayuda y recibir un seguimiento y apoyo continuado en función de vuestras necesidades o preferencias.

* Siempre que sea posible, acompañar el proyecto de esquemas, dibujos, simulaciones, que ayuden a entender bien cómo es el proyecto y cómo funciona.

* Detallar el equipo de trabajo que participará en el proyecto, la distribución de tareas y los curricula de las personas.

* Listar todas las necesides del proyecto, no sólo aquellas que cubrirá la beca, ya que el jurado puede preguntarse cómo se solucionarán aspectos básicos de la creación si éstos no figuran en el plan de trabajo ni en el presupuesto.

Viabilidad en la gestión del proyecto.

* Adjuntad un plan de trabajo detallado.

* Si tenéis experiencia en el mismo tipo de producciones, ésto os avala: hacedla constar en el proyecto.

* Podéis explicar en qué punto está el proyecto, cuál es el trabajo hecho hasta ahora y cómo la beca encaja en la producción.


-Ser concretos

Cuando concursamos para obtener una ayuda de producción no es suficiente con presentar al jurado una especie de resumen, como un apunte de una idea que esperamos les atraiga. Hay que desarrollar la idea: de esta manera dejamos claro al jurado que nos interesa el proyecto, que estamos trabajando en él, que no cambiaremos de idea cuando empecemos a trabajar más a fondo y que no hemos tardado 5 minutos en redactar el proyecto (justo los 5 minutos que faltaban para que terminara el plazo de aceptación de solicitudes...).


Recomendaciones especificas según el medio del proyecto:

* Si la obra es una instalación, se hace dificil entender que no se adjunte al menos un esquema o dibujo donde visualizar la relación de la pieza con el espacio. Lo idóneo: planos y vistas en perspectiva de la ubicación en el espacio real. Adjuntad siempre las medidas. Si tenéis la posibilidad, colaborad con un arquitecto. Os recomendamos Blender como suite 3D que os permite hacer rápidamente maquetas de los proyectos, en medidas proporcionales y con calidad muy profesional. Es un programa libre y gratuito.

* Si la obra es una publicació o edición múltiple, ayuda mucho presentar una maqueta sencilla. También se pueden adjuntar esquemas o dibujos previsualizando el resultado final además de detallar cuál será el contenido.

* Si la obra es un audiovisual, presentar un guión técnico o un story board. Si el proyecto no está en esta fase de concreción, no es posible presupuestarlo, por lo que vuestro presupuesto no será creible.

* Si la obra es una performance: hay que ofrecer información completa de en qué consiste, algún tipo de guón o pauta. Si interviene la improvisación, explicar cuál es la metodología y con qué elementos se trabaja.

* Si la obra es un interactivo: guión completo, mapa de flujos de la interacción, esquemas... también hay que demostrar la viabilidad técnica: adjuntad prototipos, demos y/o pruebas preparatorias.

gracias a HANGAR

Pablo Iglesias Simón : artículos y escritos sobre teatro y otras disciplinas

Pablo Iglesias Simón (Madrid, 1977) es titulado superior en Dirección Escénica por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Obtuvo el Premio Extraordinario al doctorarse en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid con la tesis Trasvases discursivos del teatro de finales del siglo XIX y principios del XX al Cine Primitivo y al Cine Clásico de Hollywood.

Tras desarrollar una labor docente en cursos de postgrado en materias teatrales heterogéneas y en la facultad de Ciencias de la Información en el ámbito de la Realización Cinematográfica, en la actualidad es profesor titular funcionario de Dirección de Escena en la RESAD, habiendo impartido las asignaturas de Historia de la Puesta en Escena, Espacio Sonoro, Teoría y Práctica del Diseño de Espacios Sonoros, Taller Fin de Carrera y Prácticas de Dirección Escénica II. Asimismo ostenta el cargo de Jefe del Departamento de Dirección Escénica del citado centro superior artístico.

Compatibiliza las tareas docentes con el desarrollo de una labor investigadora en los campos teatral y cinematográfico, que se ha traducido en la presentación de ponencias en congresos y seminarios y en la publicación de más de una veintena de artículos en distintas revistas especializadas de España y Brasil. Ha escrito dos libros, Postproducción digital de sonido por ordenador, reeditado en Méjico para su difusión en el ámbito hispanoamericano con el título Postproducción digital de sonido por computadora, y De las tablas al celuloide, ganador del Premio "Leandro Fernández de Moratín" para estudios teatrales 2008. Además ha colaborado en los libros colectivos Análisis de la dramaturgia y Cinema i teatre: influències i contagis.

En el campo teatral ha trabajado como director de escena, diseñador de espacios sonoros y dramaturgo. Empezó dirigiendo textos de autores contemporáneos tales como Heiner Müller o Sarah Kane y, a partir de 2002, decidió ocuparse de sus propios textos presentando en el Festival Escena Contemporánea su montaje 11-N_11-E. Ha realizado los espacios sonoros de El séptimo cielo, Las memorias de Sarah Bernhardt, Almacenados, Don Quijote en la niebla, La extraña pareja, El cartero de Neruda, El gran regreso, Cruel y tierno y El león en invierno, trabajando para compañías privadas y para el Centro Dramático Nacional. Asimismo ha publicado los textos dramáticos 11-N, Sin móvil aparente, finalista del III Premio de Teatro Exprés 2002, Alicia frente al espejo, Tu imagen sola, coescrito con Borja Ortiz de Gondra y ganador el XIX Premio de Teatro Carlos Arniches-Ciudad de Alicante 2003, y El lado oeste del Golden Gate, finalista del XXXIII Premi Born de Teatre 2008.


Tentativas para una sistematización del uso de las audiovisuales en la puesta en escena
Tecnofilias y Tecnofobias
TIENES DE TODO AQUÍ

Plaza de la Amistat en Sant Cosme / Baena Casamor Arquitectes

El proyecto tiene su origen en un proceso de participación ciudadana en el que los vecinos manifestaron, de forma oral, escrita o con dibujos, la imagen que tenían de la futura plaza junto al edificio de los Juzgados.

Por ello, la plaza se plantea con dos zonas diferenciadas, una más representativa, alrededor del edificio, y la otra, de carácter doméstico, estrechamente relacionada con los edificios de viviendas y con la actividad cívica de los vecinos. Entre ambas, un “foso” o espacio rehundido que las separa y un puente que las vuelve a conectar.

Esto explica el espacio, necesariamente fragmentado y doméstico de la plaza, en contraposición a la zona alrededor del edificio entendida como una peana que aísla, en cierto modo, los juzgados de su entorno doméstico.

La plaza se entiende como una suma de mosaicos, casi como una plaza con paisajes tatuados para dar cabida a las ideas de todos los vecinos, a través de la profusión de pequeños lugares (el puente, el río seco, el prado, la plaza peinada, las zonas infantiles, el jardín para enamorados…) que se juntan en ella.

La zona central de la plaza se presenta en una suave graduación cromática que pretende establecer una evolución gradual entre el entorno urbano y el edificio judicial. Sobre este espacio neutro se destacan cuatro lugares especiales: una plataforma elevada de césped, dos conjuntos de juegos infantiles y el puente, que une la plaza con el entorno del edificio de juzgados. Cada uno de ellos se distingue con un color básico: verde, azul, rojo y amarillo, y se ilumina, por la noche, con farolas de LEDs. Imaginamos estos cuatro lugares como alfombras voladoras que reposan momentáneamente en la plaza y que son utilizadas con espontaneidad por los vecinos antes de volver a emprender su vuelo.



más imágenes

Kalle Hakkarainen & Ville Walo: Keskusteluja/Discussions

Contemporary circus meets the images of an old Soviet silent film.

Music composed by Kimmo Pohjonen / Samuli Kosminen Kluster.

Premiere in Finland 12th October 2006 in Kiasma, Helsinki.

Premiere in France 16th November 2006 in Centre des arts du cirque de Basse-Normandie, Cherbourg.

see tour dates & more info: taikuri or walonet